作为“视觉翻译者”的我们，设计不依靠灵感，靠逻辑

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今天，要和大家介绍中国广州的一个跨媒介视觉设计团队：another design。

他们收获过纽 约 ADC、ONE SHOW、纽约 TDC、东京 TDC、平面设计在中国（GDC Award）、HKDA Award 等多项国际设计奖项，同时是 2019 年国际平 面设计联盟 (AGI) 的新晋成员。在平面、多媒体、产品、摄影等多个设 计领域，another design 都卓有见地和成就。这是其官网 another-lab.com。

今天和大家一起看看其创始人兼创意总监――刘钊和詹火德的专访，分享他们对展览视觉设计的想法和经验。他们将自己视作展览的“视觉翻译者”，通过视觉呈现赋予展览在观众涉身体验前的第一眼价值。

2016 年连州国际摄影年展的主题为“无乐不作”，策展人意在批判当下的消费观念。（中文标题字，采用了汉仪字库的瑞意宋体，设计师是战国栋。）

Q：展览的视觉设计是如何开始的？你们会有哪些特别做法？

刘：其实做展览的视觉设计和做品牌设计没什么区别，都会有一些搜索、分析和解题的工作。

詹：“解题”就是去理解和消化主题。因为每一个展览都会有一个特定的主题以及一堆阐述主题的文章，每场展览策展人的理解都不一样，所以我们会尝试揣测出他要讲什么故事、表达什么内容、有什么价值观，他的作品属性是怎样的，想要输出的东西是什么，然后通过视觉的方式“翻译”出来。这就是在做设计前，前期准备中非常重要的工作。

刘： 所以我们的工作就是在展览主题的基础上做“翻译”。在我们的设计里，我们不会过多地强调风格或形式，而是思考主题和内容里更深层次的东西，然后用最合适的“手段”把背后的核心呈现出来。

詹：就像我们在学习写作文的时候，不是有“中心思想”这个词儿吗？其实我觉得很多事情，比如做展览，需要把握它的中心思想。我们非常有幸能接触到许多很好的策展人，他们都是有东西要传达的。比如“无乐不作”，这个展览要讲的就是讽刺享乐主义、消费主义、拜金行为，它主题的调性就非常明确，参展作品也是偏娱乐、偏调侃一点的，让人很清楚这个展览是要干什么，是以一个怎样的态度去讲一些事情。它不是非常严肃地批判，而是暗讽、自嘲，背后暗透着对这些价值观的不同意，但又没有办法改变，毕竟可能有的时候人都会陷入这些东西。所以我们以“纸醉金迷”的方式来设计展览的整体视觉形象。这就在于我们是否深刻理解了展览主题，是否能准确地把握住它想要讲的是什么，它要怎么讲、要讲给谁听。

Q：这个准备阶段一般会花多长时间？

詹：我们基本都会把大部分时间花在前期的“解题”和“翻译策略”上。理解完主题后，还要找可以翻译的对象、设计的策略等，所以时间是没有办法量化的。可能需要很长时间的讨论和尝试，有的时候可能你想到了，但试了之后才发现不对。在我们看来，这就是可能性的前提吧，在我们都不确定的情况下，才能找到很多的可能性。但是，唯一能确定的是我们需要“翻译”的内容。

2017 年深港城市 / 建筑双城双年展，主题为“城市共生”，旨在探讨城中村与城市的发展关系，提倡城中村作为社会基层人群，其生活的空间和城市的发展是相辅相成的，缺一不可。40 多位生活在广州、深圳、香港城中村和城市的普通居民受邀，以自己的方式书写展览名称、展览时间等文本信息。

Q：刚提到需要去“找可以翻译的对象”，这个被“翻译”的对象要怎样去识别呢？它会有哪些特殊之处？

詹：拿“城市共生”这个项目来举例吧，这样的主题其实很难直观地“翻译”。最核心的点并不是主题中的“共生”，我们经过了反反复复的摸索、推敲，最后才得出一个概念，就是“不同”。城市要多元，要尊重不同，因为不同，才要共生。所谓的翻译对象，大概就是这样，一个比较能概括所有东西的点。

Q：“翻译”需要到什么程度？怎么判断所想到的“翻译”是最好、最合适的？

刘：看翻译出来的东西是否能把展览想传达的内容都完整传达出来，是否足够贴题。

詹：找到一个非常核心的“词”，然后把这个词视觉化，确定视觉形式感。我们总结的经验是，如果做出来的东西在内部有分歧的话，可能这个东西就不够好了；也有可能这个东西太好了，超过了自己的惯性。

Q：这种情况下，会采用这个设计吗？还是说，不断修改直到内部所有人都一致同意为止？

詹：这当中会带一些经验去判断吧，同时这也跟客户有着莫大的关系。首先，你得预判客户的接受程度，但有时候我们也会去挑战客户，运用其他工艺制作展览物料。但前提是，我们有足够的理由去说服客户。

Q：所以“翻译”需要足够的经验和较强的理解能力吗？所有展览都需要“翻译”吗？

詹：也不是全部需要，我们刚才说的是我们的方式。很多平面设计做出来不一定要有理由，可能就是因为好看，不一定肩负着想要表达什么的任务。很多展览是没有价值观输出的，它可能是“大杂烩”式的展览。例如设计周、家具展这类的展览，你费尽心思去解题，是没有必要的，它没有太多东西能翻译，用标题文字就可以把展览内容传达清楚。可能完全得从形式感出发，把展览作品放在主视觉上。设计师在这的作用可能就是把视觉处理得很好看。

刘：如果展览的主题性不够强，就从字体、图形、编排等视觉表现上做文章。

广州影像三年展是由广东美术馆创办的关于当代视觉艺术的展览。2017 年的展览主题为“复相叠影”，旨在鼓励大众深入了解纷繁的摄影与图像的实践，以更为开放、包容的方式把握摄影的概念，并探讨摄影和其他图像艺术之间的关系这一新话题。

整个视觉最核心的部分是黑白分隔的碎片字体――“复相”和“叠影”，我们用电脑软件使其重叠、拆分，生成一些随机、多变的字体图形，以呼应展览主题。至于展览的物料，结合品牌形象的语境来分析，最早的版本我们叫 1.0，它只是一个有固定图形的 logo，能被放在不同的地方，如卡片、海报上；到了 2.0， 我们设计了可变化的图形，这个图形不仅可被识别，而且造型更多元、有趣；而现在这个袋子，它可能就是一种形式，能附着在任何内容上，且让人一眼就识别出该展览（前提是在展览期间）。这种带有品牌形象的物料在我们看来就是 3.0。最终这个品牌的视觉核心，又或者说是视觉识别的核心，不是一个固定的图形，也不是一个变化的图形，也不是某种颜色，而是一种形式。

Q：视觉翻译的作用是如何在展览“复相叠影”上发挥的？可以以这一项目为例，聊聊制作展览物料的经验吗？

詹：我们从英文名字 Simultaneous Eidos（直译为“同时的理念”） 上解题，因为我们觉得英文名字更容易理解主题，这也是一个我个人认为比较好的方法。对于设计展或者艺术展，策展方在想名字的时候，中文名往往都会特别虚、特别绕，但英文名字就会特别直接，所以我们一般都会先通过英文去理解主题。整个展览的主题阐述了摄影与现实世界的关系，其实就是共识性与平行空间的关系。比如，你为一个苹果拍摄了一张照片，拍摄出来的苹果与现实中的苹果其实是两种东西，你可能想通过苹果表达某些想法，但那是你自己的，苹果是苹果本身，所以拍摄出来的照片与被拍摄的客观物体有一个平行关系。这个苹果在这个空间是唯一的，你可以拍摄很多张，甚至多个角度，其他人也可以拍，每个人拍出来所要表达的东西不一样，但都是同一个苹果——这就是共识性。经过这么一番思考后，我们开始设计视觉。字体中的每一个小单元格都是那一个字的局部，通过很多个局部组成一个字，组合而成的字其实不是原本的那个字了，它变成了另外一种感受的东西。在动态图像里中文和英文的字体看似在一起，但其实是反向、平行的关系。至于展览的物料，包括环保袋、工作证、海报、邀请函等，我们都制作了一个系列。一开始，我们用展览的名字“复相叠影”设计了环保袋的外观，但主办方认为展览一结束，袋子就没有销售价值了，于是我们用美术馆的名字再次设计了袋子。我们还为现场展览制作了一个交互装置，让视觉和展览主题的关联性更强。

2018 年连州国际摄影年展的主题为“时间之风”。策展方希望通过摄影揭示人类社会发展中发生的问题。

“时间之风”的标题字体，我们选择了风雅宋体字。因为这款字体的笔画粗细不一，当吹风机的风一吹，每个笔画的局部会有明显变化，不像黑体字，每一个笔画都是均等的，吹风机使劲儿吹都不能达到像宋体的效果。

Q：在 2018 年连州国际摄影年展“时间之风”里，利用沙子制作的标题字体是怎样诞生的？

刘：策展人应用了哲学家布鲁诺拉图尔的一句话：“现实就是抵抗”。意思是，我们所生存的社会空间都是经历时间的变化而形成的，每一次的变化都是一种对抗。我们希望寻找出时间在现实生活中遗留的痕迹，于是将时间和沙子联系起来。在古代，沙子就是一种计时工具。我们用沙子做成字体，并利用吹风机，通过风吹沙，形成对抗的痕迹。在印刷上，我们用磨砂粉印刷海报和书的封面，还原出沙子的质感。

Q：关于动态字体，你们会一开始就预想到它的运动形式吗？

詹：其实我们不具备预想的能力，很可能一开始只有一个大概的方向，脑中有一个剪影，顺着这个方向再一步步深入，不断调整、修改和尝试，包括字体间的密度、运动的节奏等，才最终达到想要的感觉，就是往实现概念的方向去创作，但不是靠灵感，只是不断尝试而已。

2019 年深港双城双年展的主题是“城市交互”：城市与城市、 城市与人以及城市中人与人的关系是一个巨大而复杂的交互系统，文字、符号、图形、视频、音频等信息通过数据这一载体在系统中流通，每个人既是数据的使用者，也是生产者。我们把“城市互动”理解为城市与数据之间的一种联动与交错，数据在其中呈现出城市不断的变化。通过采集城市中不同维度的数据，将其视觉化地分解和提取，并转译成独特的视觉语言符号，我们以数据实时更新的频率和短暂的性质，体现城市交互的即时性和既视感。

Q：你们是如何获得灵感的？

詹：我们好像从来都没有强调灵感这件事情。对于我来说，“灵感”是对艺术家而言的，他们在创作过程里需要灵感。我们把自己定义为“视觉翻译者”，所以我们是不靠灵感的。我们所有的创作都是来源于“解题”，思考怎样的表达方式是最好的，找出合适的视觉形式后再加以实现。这就好比调整投影仪的焦距，调到最好的时候就会定下来。所以在整个设计过程当中，我们并没有任何一个环节需要灵感。做设计的时候，或多或少，背后都会有一套逻辑，这种逻辑也许对很多设计师来说并不是必需的，有些人甚至觉得这一部分不重要。但事实上，设计好比一座冰山，它只露出了一处冰角，倘若你把底下的部分忽略掉的话，是不对的。我们要设计出一个看起来很好、很完整的东西时，背后就需要有一套逻辑、一个理由去支撑它。

刘：我们强调的是逻辑和推导，因为我们是在为客户解决问题，如果说明天要提案了，而我的灵感还没来，那怎么办？做设计不能只靠灵感。

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采访来自《字现场》，已获授权发布

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